2017年11月17日

『出てこようとしているトロンプロイユ』

ヨーロッパ企画第36回公演『出てこようとしているトロンプロイユ』を見る。本多劇場での東京公演は終わっているので、1119日までの神奈川芸術劇場の公演を見る。大ホールの公演で、そんな大掛かりの公演かといぶかったが、エスカレーターで上がっていくと、いつもは左手にある受付が、右側にある。今年のKAATの公演『春のめざめ』のときと同じで、大ホールを区切って使うときの受付である。会場は、こじんまりとしていて、どこに座っても舞台がよくみえるようになっている。


ヨーロッパ企画の公演は前からのぞいてみようと思っていたのだが、チャンスがなく、今回、たまたま機会にめぐまれた。評判どおり、めちゃくちゃ面白い。笑いを喚起する工夫にみちていて、客席から笑い声が絶えない。私も自然と笑うことができた。


公演前の舞台については、ホール内に入ると、おどろく。舞台装置がリアルで、第四の壁を想定して、きっちりディテールまでがつくりこまれている。絵画とのアナロジーで言うと、現在の小劇場あるいは中劇場は、抽象絵画が主流である。もちろん俳優が演ずるので抽象絵画というと語弊があるかもしれないが、ただ、時代設定もぼんやりしていて(たとえば漠然と現在の日本とか)、さらに時代も国籍もわからない無国籍で、イメージ喚起力はあっても、ローカルな具体性を示さない演劇世界ということを抽象絵画的といえば、今回の舞台は、舞台のつくりこみという点において具象絵画的であった。老画家が死んだあと、その画家の部屋を訪れた大家と、その店子たち(彼らも画家)が、遺品を整理しているうちに……という物語なのだが、遺品の絵画ひとつひとつが、この作品のために描かれつくられていることに驚く。もちろん、その遺品の絵画がひとつひとつに意味が出てくるのだが。それにしても、台本のつくりこみはふつうのことだとしても、こうしたプロップへのつくりこみまでなされていることは特筆すべきことだろう。


ただ内容はSF的というよりも形而上的コントである。コントの部分は、おもしろすぎる。喜劇の部分は、もう完成の域にきていえ、笑いのツボなどをすべて心得ていて、こんなにもスムーズに笑いを引き出す演劇術に驚きあきれるほかはない。そしてメタフィジカルな部分も、説得力がある。もちろんこれはオブジェクト・レベルとメタレベルの話を、だまし絵とからめていて、二次元のものが三次元であるかのようにみせるのが「だまし絵」であり、また一瞬、本物かと思うと、実は二次元の絵であったとわかるところにだまし絵の真骨頂があるとすれば、そもそも「でてこようとしている」というのが、あるいは「でた」と思ったら「でていなかった」というのは「だまし絵」の基本条件だといってよく、そこから生ずるドタバタが劇の中心となっていく。


つまりこのSF的、形而上的設定が、笑いをアフォードする。つまり、この設定にひそむ笑いの可能性を徹底して顕在化することで喜劇が成立しているといえようか。形而上的設定は、あるいはタイムマシンのようなSF的設定と喜劇性は、相補的である。もしその設定をつきつめれば喜劇あるいはスラップスティックしかなくなることで、逆に状況の意味を顕在することにもなる。


とはいえ、これについて説明すればするほど、めんどくさくなってわからなくなると思うでの、原作は刊行され、舞台のDVDもいずれ発売されると思うので、それを読んだり見ていただくか、まだ続いている全国公演(KAATでの公演も19日まである)をみていただくほかはないが、面倒くさい、メタシアター的状況を、見ている者が、きちんと説明できるまでになるのは、作品の構築がすぐれているからであろう。


見る者は、誰かに見られている。その見ている者も、また上位の誰かに見られている……。となるとこの無限後退あるいは無限上昇、まさに「無間地獄」ともいえるような状況は、どこで終わるのか、結局、終わりがないのかという問題を、時間を逆行させて同じ登場人物をつかって世界を作り変えるという展開は、個人的なことで恐縮だが、メタ的なもの(メタシアター、メタドラマ)から出発して、アダプテーションに興味をもつようになる私の知的関心の軌跡と一致していて、個人的には感銘を受けた。

posted by ohashi at 10:04| 演劇 | 更新情報をチェックする

2017年11月12日

『トロイア戦争』

『トロイア戦争 トロイラスとクレシダ』

明治大学シェイクスピア・プロジェクトによるシェイクスピア『トロイラスとクレシダ』を見る。公演では『トロイア戦争―トロイラスとクレシダー』とあって、いきなり『トロイラスとクレシダ』では、一般知名度が低いために『トロイ戦争/トロイア戦争』としたのかもしれない。ただ『トロイア戦争』としてもしなくても、シェイクスピアの『トロイラスとクレシダ』は面白い作品だが有名な作品ではないので、例年満席の公演に対して、やや空席がめだったのは、しかたないことかもしれない。


空席があったのは、ほんとうに惜しい。というのも今回のみごとな公演を見逃すとは、なんという損失かといういいたいからだ。明治大学シェイクスピア・プロジェクトは、毎年レヴェルの高い演技に感銘をうけるのだが、今年の『トロイラスとクレシダ』は、登場する学生俳優たちが、びっくりするほど演技がうまい。この作品は、癖の強い人物が多いというか、そういう人物ばかりなのだが、それを演ずる学生たちが、各人物の特徴をほんとうによく出していて、台詞まわしもほんとうにうまい。こんなにうまかったのかと、認識をあらたにした。


過去の公演の演技がへだったとということはまったくない。高い質の演技で、安心してみることができたし、そこに演出とか構成上のいろいろな工夫が加わって独創性という面でも他の大学の学生シェイクスピア劇のなかでは群を抜いていたのだが、今回は、アレンジがあるとはいえ『トロイラスとクレシダ』一作なのだが、とにかくうまい、うますぎる。今回の明治大学シェイクスピア・プロジェクトの公演は、日本語によるシェイクスピア劇上演としては、プロアマを問わず、最良の部類に入るといっても大げさではないと思う。


個々の学生の演技力がすごいのはいうまでもないが、演出・構成も優れている。鵜山仁演出、浦井健治、ソニン主演の世田谷パブリック・センターの『トロイラスとクレシダ』公演を2015年の夏に観たが、浦井とソニンのトロイラスとクレシダのペアも頑張っていたし、渡辺徹のパンダラスも印象深かったし、その他、芸達者な俳優が脇をかためる見事な公演ではあったが、明治大学シェイクスピア・プロジェクトとは印象が違う。むしろ鵜山演出でクレシダは哀れな少女であり、また悪女へと変貌するという両極しかなかったが、今回のクレシダは、そうしたステレオタイプ的女性像ではなくて、人間味のある女性であり、生きた女性であった。


また、今回に限らないが、女性が男性の役をすることが多く、今回もオデュセウスをはじめとしてけっこう重要な男性人物が女性であった。おそらく男子学生の数がすくないか、女子学生の数が多いか、男女公平に役をわりふる必要かわからないが、理由は何にせよ、上演前の危惧は、芝居がはじまってからは消えた。すでに誰もが存在感のある、しかもうまい演技で、違和感などまったくなかったことも付け加えておきたい。


もうひとつ付け加えると


当日会場でも売られていたようだが、明治大学シェイクスピア・プロジェクトを記念した本が今年出され、私の名前も表紙というかカバーに小さく記載されているのだが、私は一観客として、毎年楽しみにしながら、公演を見させてもらっているだけで、出演者とかプロジェクト関係者に知り合いがいるわけでもないし、また利害関係もない。その私の率直な感想なので、このブログにおいても、その感想に利害がからむようなバイアスはない。


ただ、それにしても明治大学シェイクスピア・プロジェクトを毎年見ていることが、どうしてわかったのだろうか。このブログに書いていたからか。毎年、授業中にほめながら言及したことはあるが、それ以外のところで言及したことはない。案外簡単な理由があるのかもしれないが、いまのところは不思議なままである。

posted by ohashi at 21:34| 演劇 | 更新情報をチェックする

2017年11月01日

『ブレードランナー2047』

大学院の授業では、授業の内容によるところ多いのだが、参加している院生が、幅広い分野の文学作品に言及してくれる――それはそれで毎回貴重な情報が得られて私にとってもは刺激的な経験なのだが、問題は、あの作品は、そんな話だったのかとか、そんなエピソードがあったのか、そんな描写がなされていたのか、と、我ながら自分の記憶喪失に驚かざるをえないことだ。読んだことのある作品でも、いまやまったく覚えていない。読んだことのある作品と、読んだことのない作品との区別がなくなっている。忘れてしまっては、すべてが新作同然である。だから新鮮な気持ちで院生の発言を聞くと同時に、心の中で記憶喪失を嘆いている。


たぶん、これはイギリスやアメリカのどこでも売られているお土産か絵葉書みたいなものだと思うのだが、オックスフォードのボドリー図書館の売店で昔見かけた絵葉書に、若い頃からいっしょうけんめい勉強して、たくさんの本を読んで、そして歳をとると、すべて忘れてしまって、結局、なんのために勉強したのかわからなくなるという皮肉なメッセージが書かれたものがあった。まあ、面白いなと思いつつも、とりわけ切実に感じなかったのだが、いまや、それが本当に切実なものとなった。このまますべて忘れて無に回帰するのだろか。


ライアン・ゴズリング扮する新型のブレードランナーが、元ブレード・ランナーのデッカード(ハリソン・フォード)に、いっしょにいたの彼女の名前はと質問するところがある。デッカードはなかなか答えようとしないのだが、ライアン・ゴズリングは執拗に問いただす。そのやりとりをみていた私には、なんの苦も無く「レイチェル」という名前が浮かんできた。この映画をみるために、予習あるいは復習をしてきたわけではない。ただ自然と名前が浮かんできた。昔、みた映画の記憶がきちんと残っている。もちろんこれは昔の覚えたことは記憶に残っていて新しく覚えたことが記憶から抜け落ちるといよくあるパタンかもしれないが、映画をはじめてみた頃に読んだ本の内容はほとんど忘れているので、とにかく記憶していたのはうれしい。


『ブレードランナー』を初めて見た時の衝撃についpあれこれ語れば、ただの昔話になってしまうので、あまり興奮せずに語れば、このSF映画はフィリップ・K・ディックの原作の、まあ忠実な映画化というよりも翻案に近いもので、むしろそれがよくて、映画作品として成功しているのではないかと思う。たとえば近未来SFものかもしれない映画『ザ・ロード』を、コーマック・マッカーシーの原作を読まずに、見たのだが、ピューリッツァ賞をとるほどの原作なのかと、いぶかった。原作の言語表現に匹敵するものが映画にはなく、ナレーションだけでは原作のもつ陰鬱な迫力に及ぶべくもなく、ただ地味な映画というにとどまったように思う。それにくらべると『ブレードランナー』はディックの原作に対する忠実度は低く、そのぶん、思う存分、独自の美的世界を構築できていたように思う。


では『ブレードランナー』と、その続編『ブレードランナー2047』のちがいはといえば、前作にあった近未来の世界の密度感のようなものが今回はなくなって、荒廃と荒涼感にみちあふれていることか。もちろん続編で監督がちがうとはいえ、続編であることの基本は、長い物語の後半であるということではなく、前篇と同じフォーマットを使っているということだ。冒頭でレプリカントを殺害するとか。前篇でもブレードランナーがレプリカントを恋人にしているのに対して、後篇でもブレードランナーがダッチワイフ型ホログラフを恋人にしていることか。また前篇ではレイチェルだけではなく、デッカードもレプリカントではないかという可能性が取りざたされたのだが、後篇では最初からブレードランナーは新型レプリカントという設定になっている。


と同時に後篇では前編にあった人工性は極限まで拡大して、どこまでが自然で、どこまでが人工なのかわからなくなっている。さらにいえばすべてが人工物であり、またその人工物は生ける存在ではなく廃墟でしかなくなっている。自然ではなく、人工性の廃墟は、もはや再生を望めない。そのため孤独感、荒涼感がつのるような、そうした世界が出現する。最後の場面など、外に残るライアン・ゴズリングの周囲には誰もいない。もはや癒しがたい死の世界が広がっている。それが猥雑で耽美的な密度感のある前作のシティ・スケープとは異なり、静謐な死の世界を展開させる後半の特徴でもあるのだろう。


2時間40分以上という、最近では珍しい長編映画だったが、間延びした感じはなく、長さを感じなかったのは、不思議な気がする。よくできているのか、映像の脅威に最後まで魅惑されていたのか。とはいえ内容的には2時間でも十分に収まったと思う。いくら3時間あっというまとはいえ、映画館に3時間拘束されるという事実に対する抵抗が、映画館への足を鈍らせるのだとしたら残念ではあるが。


あと言及される文学作品がナボコフの『青い炎』とスティーヴンソンの『宝島』というのは、あまりに極端な取り合せで引いてしまうが、またそこのところコンセプトはどうなのかということも心配になるが、ナボコフ作品は、映画と関係していくところがあるかもしれない。それについてはまた考えたい。

posted by ohashi at 10:15| 映画 | 更新情報をチェックする